"/>Author-Author - تعرف على 10 من كبار مؤلفي تاريخ السينما

Author-Author – تعرف على 10 من كبار مؤلفي تاريخ السينما

Author-Author – تعرف على 10 من كبار مؤلفي تاريخ السينما

لا تدعي هذه المقالة تقديم أعظم الكتاب والمخرجين البارزين في تاريخ السينما ، لكنها محاولة لتقديم 10 من الشخصيات العظيمة في تاريخ السينما.

من ناحية أخرى ، قد يكون من غير العدل إعطاء مصداقية عمل فني بالكامل لمديره وحده ، ولخص نجاح عمل عظيم يدين بجهود عشرات وأحيانًا مئات الأشخاص باسم واحد. ومع ذلك ، فإن الشخصيات الرائدة في مجال الإخراج هم فنانون يعرفون كيف يختارون أفضل الزملاء ، وكيف يحصلون على أفضل أداء من الوكلاء ، وأخيرًا ، بطريقة خاصة ، يسجلون توقيعاتهم الشخصية في بداية العمل.




المؤلفون الذين لديهم عالم موحد مع ميزات رسمية ومواضيعية فريدة ومميزة موجودة في تاريخ الفن منذ تاريخ السينما. منذ البداية ، أشخاص مثل جورج ميليس ودي. ث. يمكن تصنيف Griffiths ، مثل Orson Welles و Jean-Luc Godard ، وصانعي الأفلام الأحدث مثل Paul Thomas Anderson أو Terence Malik كشخصيات بارزة.

في ما يلي ، سوف نقدم 10 مخرجين ومؤلفين لتاريخ السينما قاموا بأعمال فنية رائعة في ذخيرتهم.




1- انجمار برجمان

إنجمار بيرجمان

يقول إنجمار بيرجمان: “أحيانًا عندما أحلم ، أفكر في نفسي ،” أتذكر هذا الحلم وأصنع فيلمًا عنه “. “إنه نوع من الأمراض المهنية.” يشرح هذا الاقتباس من برجمان مبادئ عمل المخرج أفضل من أي شيء آخر ؛ لقد كان حالمًا. لكن هذا الاقتباس يثير سؤالا أكبر. هل استطاع برجمان التحكم في أحلامه وهو نائم؟ عندما تشاهد أفلامه ، يبدو للوهلة الأولى أن برجمان يحول أفكاره اللاواعية إلى أفلام. من الواضح أن أفلامه لها شخصية تشبه الحلم تغطيها مثل الضباب.

يقول بيرجمان إن مسرحية أوغست ستريندبيري لعام 1901 ، عرض الحلم ، ألهمته بأفكار رئيسية. أفكار مثل المخاوف الوجودية العميقة والقلق الجنسي ولقاءات الشر. كتب Strindbury عرض الحلم بعد تحمله لمرض عقلي عميق. تم الإشادة بهذا العمل لاتباعه منطق رواغون وكونه قريبًا من علم النفس الفرويدي الحديث. في الواقع ، تحاول أفلام بيرغمان تقديم مثل هذا النوع من الغموض ؛ تشريح الجثة الرائع بين الأحلام والواقع وعلم النفس ، وكيف يمكن أن تتشابك كل من هذه الجوانب مع الآخر.

وفقا لإنجمار بيرجمان ، لا يمكن لأي فن آخر ، لا الشعر ولا الرسم ، التعبير عن الجودة الخاصة للحلم وكذلك وسيلة السينما. في الحلم ، ليس هناك وقت أو مكان ، والسينما مجهزة بشكل فريد بأدوات يمكنها تغيير تصور الجمهور للوقت والمكان. من بين الأدوات البسيطة التي جلبت السينما إلى قوتها الحالية وجودتها زاوية كاميرا خاصة غير شائعة ، وقطع صورة مفاجئ ، وصوت غير متوقع. في الواقع ، تعطينا المبادئ الأساسية لصناعة الأفلام فكرة أن ما نشاهده لا يمكن أن يكون صحيحًا ، وفي الوقت نفسه لا يمكننا تجاهله تمامًا. دولة قريبة جدا من الحلم.

عندما تشاهد أفلامًا مثل “Persona” أو “Screams and Whispers” أو العديد من الأعمال الأخرى التي كتبها Bergman ، يمكنك أن ترى بوضوح أن Bergman يرى في فلسفته في صناعة الأفلام أن النمو هو نوع من الحالة الطبيعية للسينما. نرى هذه الفلسفة في أعمال بيرغمان المختلفة: في المعركة بين الحياة والموت في فيلم “الختم السابع” ، انعكاس لوجود “العواصف البرية” وصمت وتدمير مقاييس التواصل البشري في ثلاثية “مثل في المرآة” ، “ضوء الشتاء” و “الصمت”. بيرغمان حالم ويمكنه أن يسحب الحالم منا جميعًا.

2- فيديريكو فيليني

فيديريكو فيليني

واحدة من الحقائق الغريبة عن Federico Fellini هي ملاحظاته وأفكاره حول حياته المهنية. شعر أن معظم إنجازاته الفنية قد حدثت في الجزء الأول من حياته المهنية ، وأنه تخلى عن فنه وتابع أفكاره الشخصية.

خلال حياته المهنية المبكرة ، أخرج فليني أعمالًا مع عناصر نيوريالية مثل الطريق ، ثم أنتج أعمالًا خيالية تستند إلى حياته الشخصية جنبًا إلى جنب مع مفاهيم أكثر تقدمًا نفسياً مثل Sweet Life و Eight and a Half و Amarcord. .

وفقًا لفيلليني نفسه ، انخفضت جودة عمله حيث تحول تركيزه أكثر إلى المسيحية وبعض الغرائز البشرية. من المثير للاهتمام سماع هذا منه ، لكن العديد من رواد السينما يعتقدون أن العكس هو الصحيح. يعتقد الكثيرون أن سينما Fellini أصبحت أكثر تعقيدًا ونضجًا ؛ في الواقع ، يعترف الكثيرون بـ Fellini ويقدمون هذه الأعمال الخيالية بشكل أساسي. في الأساس ، ما هو أكثر إلهاما من الشخص نفسه وعقله الخيالي؟

كما لوحظ ، بدأ فليني في مسيرته بطريقة أكثر جدية عندما كانت السينما الإيطالية في خضم موجة من الواقعية الجديدة. تتميز أعماله الواقعية الجديدة بجودة عالية ، ولكن لا يمكن تجاهل أن الالتزام بالواقع أغلق أجنحة فنليني بطريقة أو بأخرى. لكن بطاقة Fellini الرابحة كانت فهمه الكامل والدقيق لقدرات الفيلم. فضل الصورة على أي شيء آخر لأنه يعتقد أن الصورة المرئية الأصلية وميزات الفيلم أعطتها ميزة تنافسية خاصة على الأشكال الأخرى.

أفلام مثل “الطريق” و “ليلة الكبرياء” هي بعض من الكلاسيكيات العظيمة التي أخرجها فليني في وقت مبكر من حياته المهنية ، ولكنها تحتوي إلى حد ما على أفكار كانت مختلفة إلى حد ما في أعمال فيديريكو فيليني اللاحقة: حرب دائمة بين الجسد والروح. والعقل. تحتوي أفلام فليني على عناصر الفكر المسيحي بشكل صريح أو ضمني. على سبيل المثال ، الطريق عن الخطايا عن الإساءة والهجر ، والحياة الحلوة تشير بشكل رمزي إلى الخطايا السبع الكبرى. كل من هذه القصص تدور حول هذه المفاهيم. تعاملت أعماله اللاحقة ، مثل Satiricon Fellini ، بشكل أكثر وضوحًا مع الأفكار والمفاهيم المتعلقة بطبيعة الخطيئة ، على الرغم من أن كل هذه الأعمال تم دمجها مع أفكار المخرج الشخصية. في الواقع ، كانت العديد من أفلام Fellini أوصافًا لحياته الخاصة.

كانت Sweet Life صورة لنفس نموذج الحياة الذي واجهه فليني. ثمانية ونصف هو عمل سيرة ذاتية ، ويعكس الإحصائي ذكريات طفولته الشاسعة. فليني هو فنان بقدر ما هو فنان ومفكر حول الغرائز البشرية والمفاهيم الدينية. بالإضافة إلى ذلك ، يمكن الادعاء أنه كان أيضًا نوعًا من الكاتب في حياته. كان Fellini في الأساس رجل غريب ، رجل عاش في جميع أنواع الصعود والهبوط في كل فترة من حياته ، وانعكس هذا الانعكاس بقوة في عمله.

3. جون فورد

جون فورد

سئل أورسون ويلز في مقابلة من هو مديره المفضل. رد ويلز: أنا أفضل أساتذة السينما الأكبر سنا. أعني جون فورد وجون فورد وجون فورد. إذا اعتبرنا ويلز مبتكرًا في لغة السينما ، فإن فورد هي مبتكر للمبدعين. أصبحت رؤية فورد للغرب الأمريكي ، كما رأينا في العديد من أفلامه ، وجهًا واضحًا للهوية القومية الأمريكية ؛ في الواقع ، أضافت عظمة وجودة فنه العديد من العناصر البارزة للسينما والثقافة.

قام جون فورد بإنتاج “Young Lincoln” و “Anger Clusters” و “Delijan” في عام واحد. تختلف هذه الأعمال اختلافًا كبيرًا من حيث النوع ونوع الأداء والنبرة. لكن موضوع فورد في هذه الأعمال أساسي لانتقال كبير في الثقافة الأمريكية. عبور الغرب المتوحش إلى الحرب الأهلية والوصول في النهاية إلى الكساد الكبير.

كان لدى فورد طريقة بسيطة لفهم قصصه بشكل أفضل. بينما كانت قصصه واسعة النطاق ، فقد كانت شخصية وجذابة للغاية. جمع فورد ببراعة هذا النطاق الكبير مع تلك الرواية الشخصية ليسهل على المشاهد فهم المفاهيم السردية لعمله. في الواقع ، يجب أن يُرى إتقان فورد في استخدام التقنيات التي ساعدته في النهاية على التعبير عن البصيرة العظيمة ووجهات نظره الواسعة وإظهارها.

اقرأ
يعود براد بيت إلى الأفلام كقاتل محترف

يمكن للجمهور متابعة كل شيء بسهولة شديدة في أفلام جون فورد ؛ مقطع بسيط من النقطة الأولى إلى نقطتين ، ولكن إلى جانب أي قصة أو موقف يبدو أنه بسيط ، يتبادر إلى الذهن سؤال أساسي حول الثقافة الأمريكية. مثل العلاقة بين البيض والأمريكيين الأصليين في هذه الأوقات الصعبة. على سبيل المثال ، يطرح فيلم الباحثون مفاهيم في مجال العنصرية ؛ قضايا مثل تبرير العنصرية وحتى الإبادة الجماعية خلال مأساة ما بعد الحرب الأهلية هي من بين المفاهيم التي نوقشت في البحث عن الباحثين. بعض أفكار فورد الأخرى لم تتقدم كثيرًا في مجتمع اليوم وقد لا تبدو معقولة جدًا من وجهة نظر اليوم ، لكنها لا تزال تحتفظ بخصائصها الخاصة ومثيرة للجدل إلى حد ما.

قال وودرو ويلسون ، الذي كان آنذاك رئيس ولادة أمة: “إن الأمر أشبه بكتابة التاريخ بالضوء ، وأسفي الوحيد على أن كل شيء حقيقي للأسف”. قيلت هذه الكلمات عن جريفيث ، ولكن يبدو أن جون فورد يمكن استخدامها بطريقة مختلفة. سواء اتفقنا أم لا مع أفكار فورد وكيف نفسرها في ضوء المعرفة والأفكار الحالية ، لا يمكننا تجاهل حقيقة أن سينما فورد كانت دائمًا نوعًا من التأريخ الفني والمرئي.

4- ألفريد هيتشكوك

ألفريد هيتشكوك

يبدو أن ألفريد هيتشكوك قد تجاوز وتميز عن المواهب المعاصرة البارزة الأخرى في العقود الأخيرة. فهم هيتشكوك ، الذي يعتبر حاليًا أحد أبرز صانعي الأفلام في كل العصور في تاريخ السينما ، جمهوره أكثر من أي مخرج آخر وعرف كيف يلعب بعقله ومشاعره.

قال المخرج الأمريكي وليام فريدكين زاماني “لا تضيع وقتك في مدارس السينما وشاهد أفلام هيتشكوك”. سوف تتعلم التقنيات ، والآن عليك فقط العثور على أسلوبك الخاص. “هذا ما فعلته.” من المسلم به أن محفظة Hitchcock تغطي تقريبًا كل ما يلزم لتعلم صناعة الأفلام ، وكلمات فريدكين ليست مضللة على الإطلاق.

وقد تم وصف هيتشكوك بأنه “سيد التعليق” ، لكن هذا ليس عدلاً. تتجاوز قدرات Hitchcock مجرد استخدامها لترهيب الجمهور أو تعليقه. قال هيتشكوك إنه يريد أن يلعب جمهوره مثل البيانو. يستخدم وسائل بشرية أساسية للغاية ويمكنه أخذ المشاهد أينما يريد. هذا المخرج البارز هو ماهر في التقاط نبض جمهور أعماله.

تنبع العديد من مهاراته من إلهامه ومشاعره وأوهامه الشخصية. لقد شعر بطريقة أو بأخرى بالكثير مما يتم عرضه في عمل هيتشكوك. أعمق مخاوفه وأعمق عيوبه وغرائزه ورغباته.

يمكن رؤية معظم هذه المشاعر في أفلامه. على سبيل المثال ، في “خلف النافذة” ، نرى كيف ينظر بجشع إلى الآخرين من خلال عدسة الكاميرا ، أو في فيلم مثل “الدوخة” نرى كيف يجبر الرجل المرأة على أن تصبح صورته الخيالية لشبح امرأة شقراء. كانت إحدى السمات المميزة لعبقرية هيتشكوك اهتمامه الخاص لنفسه في سياق عمله. ظهر في مقطورات بعض أفلامه وسافر بطرق غريبة في بعض مشاهد أعماله.

عاش هيتشكوك في وقت كان فيه المخرجون خلف الكاميرا في الغالب ، وكانت النجوم تلفت الانتباه أمام الكاميرا. من خلال كسر جاذبيته الروحية ، كسر هذه الصورة النمطية وأوضح للجميع ما هي الجودة المميزة حقًا. شهرة هيتشكوك رائعة مثل شهرة نجوم مثل جيمس ستيوارت ، واليوم ذهب وضعه إلى أبعد من ذلك ؛ في الواقع ، هيتشكوك تساوي السينما اليوم. تأثير هيتشكوك عميق لدرجة أنه حتى الآن ، بعد سنوات من وفاته ، هو موضوع الكثير من الجدل. إن صنع مثل هذه الأعمال بدون تاريخ استهلاك هو في الواقع عمل سيد حقيقي.

5. ستانلي كوبريك

ستانلي كوبريك

بالإضافة إلى عمله ، يعتبر ستانلي كوبريك من أكثر الشخصيات جاذبية في عالم الفن ، وبالطبع أخرج أفلامًا رائعة. أتقن إتقان ستانلي كوبريك للأبعاد المختلفة للفن السينمائي ومعرفته الدقيقة بعمله أن يستخدم أي إطار لنقل مشاعره بطريقة محسوبة بالكامل ؛ في الواقع ، باستخدام جوانب مختلفة من فن صناعة الأفلام لكوبريك ، مثل استخدام رسام. من الرائع أن ترسم صورة لقلمك.

إحدى السمات المميزة لأسلوب المخرج الشخصي هو أنه إذا كنت لا تعرف من هو المخرج ، فيمكنك تخمين اسم المخرج من خلال النظر إلى النمط والمرئيات ، وقد حصل كوبريك على ذلك. نشأ كوبريك مع تراث يهودي ، لكنه اتخذ نهجًا مختلفًا ، على الرغم من أنه كان يحمل تراثًا دينيًا واسعًا نسبيًا. تعامل هذا المخرج الشهير لتاريخ السينما دائمًا مع مفاهيم عظيمة في العالم ، وهذا يجعل Kubrick أكثر جاذبية. صور في سن مبكرة. قاده هذا الانشغال والمثابرة في السنوات اللاحقة إلى إيلاء المزيد من الاهتمام بالتفاصيل ، مما ساعده على مواصلة حياته وفي عملية أن يصبح صانع أفلام عظيم.

أصبح Kubrick معروفًا بأول فيلم له ، Killing ، في عام 1956 ، وفي الستينيات ، مع أعمال مثل Spartacus و Dr. Strangelove و 2001: Space Odyssey ، واصل مسيرته المهنية وارتفع إلى منصب أعلى. بمرور الوقت ، أصبح من الواضح للعديد من المراقبين أن كوبريك لم يكن مجرد مخرج عظيم آخر ، بل كان عبقريًا حقيقيًا ظهر في الصدارة لرفع مستوى الفن.

شيء آخر مثير للاهتمام حول Kubrick هو قدرته على عمل أعمال في أنواع ومجالات مختلفة. قام بتصوير أحلك مظاهر الإنسانية في أفلامه الحربية مثل The Ways of Pride and The All-Felt Sheath ، وروى التاريخ بأفلام مثل Spartacus و Barry Lyndon. Kubrick جعل الجمهور يضحك مع “دكتور Strangelove” وأرعبهم “تألق”. مع فيلم “كوكي أورانج” ، أثار أسئلة مختلفة في أذهان الجمهور حول العنف والمبادئ الأخلاقية ، وأتاح لنا الفرصة لتجربة خيال علمي خالصة في “2001: Space Odyssey”. كل هذه الأعمال مختلفة وفريدة من نوعها ، وتقدمنا ​​إلى أسطورة تسمى كوبريك التي نحبها. من خلال عمل Kubrick ، ​​يمكننا تحقيق شيء ما وراء أنفسنا ، أي الهدف السامي للفن ، وهو تجربة وشعور الأشياء التي تجعلنا في نهاية المطاف إنسانًا أكثر نضجًا وتعاليًا.

6- أكيرا كوروساوا

أكيرا كوروساوا

المخرجة اليابانية البارزة أكيرا كوروساوا ليست معروفة فقط في السينما اليابانية كشخصية بارزة وسيئة السمعة ، ولكنها أيضًا واحدة من المخرجين الذين كان لهم تأثير عميق وعميق على السينما الحديثة. التأثير واضح في طريقة التصوير وإيقاع القصة ونوع السرد. في الواقع ، خلق كوروساوا لغة سينمائية جديدة ، وبطريقة ما ، لا يمكن لسينما ما بعد كوروساوا إنكار تأثيراته الأساسية.

بدأ المخرج الياباني حياته المهنية في أوائل الأربعينيات ، لكنه أصبح معروفًا خلال الحرب العالمية الثانية ووجد أسلوبه الخاص. كانت أفلامه أفضل وأفضل من الناحية الفنية ، لكنها اتبعت جميعًا أنماطًا متشابهة. تعاملت العديد من أعماله مع الثقافة اليابانية ، ولكن في هذه الثقافة ، تحتل بعض العناصر مكانًا أكثر أهمية في عمله ، بما في ذلك الساموراي ، الذي يعرفه بشكل خاص مع كوروساوا. ومع ذلك ، فإن كل فيلم من أفلامه هو جسر بين اليابان القديمة والمعاصرة.

اقرأ
فاز سام منديز بجائزة الإدارة الأمريكية الأكثر أهمية

بعد الحرب العالمية الثانية ، أدى الغزو الذي قادته الولايات المتحدة لليابان إلى بعض الإصلاحات. أثرت الإصلاحات العسكرية والسياسية والاجتماعية الشاملة خلال هذه الفترة على عمل صانعي الأفلام اليابانيين المعاصرين. قام كوروساوا بعمل أفلام رئيسية خلال هذه الفترة ، وقد نشأت موضوعات مثل الثورة ضد المجتمع الياباني التقليدي مباشرة من التطورات السياسية والاجتماعية في اليابان بعد الحرب العالمية الثانية.

ربما كان كوروساوا أعظم استراتيجي بصري في تاريخ السينما. في الواقع ، أصبح المسار الذي سلكه في السينما أداة مركزية وأساسية ومؤثرة لصناعة الأفلام ورواية القصص في السينما. يتم دفع كل شيء تراه في عمل كوروساوا ببراعة. حركات الكاميرا ، وحركات الشخصية ، وحتى حركة الغيوم داخل الإطار. عرف كوروساوا بالضبط المشهد الذي يجب وضعه على الشاشة لتعزيز وتكثيف تأثير قصة الفيلم كما ينبغي.

من بين التأثيرات الهامة الأخرى لكوروساوا هي أهميته الخاصة للسينما اليابانية وغيرها من صانعي الأفلام اليابانيين. في الواقع ، بصرف النظر عن أهمية وأسلوب التعبير في عمله ، حققت نجاحاته في العالم العديد من الإنجازات للسينما اليابانية. عندما فاز فيلم “راشومون” ، الذي عرض لأول مرة في طوكيو ، بجائزة الأسد الذهبي في مهرجان البندقية السينمائي ، فتح باب النجاح التجاري والفني للمخرج. جذب هذا انتباه العالم الغربي بشكل أساسي إلى السينما اليابانية أكثر من أي وقت مضى ، وأصبح صانعو الأفلام اليابانيون البارزون الآخرون أكثر استحسانًا.

7- ياسوجيرو أوزو

ياسوجيرو أوزو

قال الناقد الأمريكي روجر إيبرت: “ليس ياسوجيرو أوزو مخرجًا رائعًا فحسب ، بل إنه أيضًا معلم ، وبعد مشاهدة أفلامه ، أصبح صديقًا”. “أنا لا أشعر بقدر أي مخرج آخر كما يشعر بشأن أي فيلم.” أوزو هو صانع أفلام رائع ، بالإضافة إلى صناعة الفن ، يعلمنا كيف نعيش. ربما لم يختبر أي مخرج آخر تجارب بشرية حية في الصور السينمائية. تتميز أفلامه بالتبسيط في طبيعتها ، وهي تعمل على العلاقات الأسرية والتيارات ، والأفلام حول القضايا التي نواجهها يوميًا ولكنها تنطوي تدريجيًا على مشاعر أكثر تعقيدًا.

إذا كنت تفكر في أهم وأشهر أعمال هذا المخرج ، مثل “أواخر الربيع” و “قصة طوكيو” و “العشب العائم” ، فسوف ترى أن كل هذه الأعمال تتعامل مع الأحداث اليومية في الحياة التي قد تحدث لأي شخص. بدلاً من البحث عن الحب ، تقرر فتاة رعاية والدها العجوز. عندما لا تتاح للأسرة الفرصة لرعاية والديها المسنين ، عندما يزورون والدهم ، يحاول الأب التواصل مع ابنه بعد سنوات من الانفصال ، وكما ترون ، لا يهم أين نعيش أو حيث نعيش ؛ تتواصل معنا أفلام المخرج مهما كانت خلفيتنا الثقافية.

إن استراتيجية أوزو في أفلامه بسيطة للغاية. كان أسلوبه الأكثر أهمية هو استخدام طلقة تجريبية. أي قطع الصورة إلى مشاهد من المناظر الطبيعية أو الغرف الفارغة التي تحدث ، بالطبع ، دون أسباب سردية ؛ وبالتالي ، قاطع أوزو أحداث القصة بهدف عناصر الحياة اليومية. كان عادة مهتمًا بالأزقة والقطارات والقوارب المظلمة الفارغة. أعماله بسيطة وحادة قدر الإمكان. سینمای اوزو از نظر فرمی سوژه بحث‌های مفصلی بوده‌ و بسیاری از نظریه‌پردازان مطرح تاریخ سینما به تحلیل عناصر بصری و قاب‌بندی‌های ویژه او پرداخته‌اند.

جایگاه قرارگیری دوربین در آثار اوزو نیز جالب توجه است. دوربین در بسیاری از صحنه‌ها در شرایطی قرار گرفته که گویی فرد در حالت نشسته به روبرو می‌نگرد. این حالت دوربین عموما با ریتم نه‌چندان سریع آثار او از مشخصه‌های سینمای این کارگردان مولف است.

اوزو با فیلم‌های خود داستان‌های عمیق انسانی را روایت کرد اما هم‌زمان از دنیای بزرگتر پیرامون این سوژه‌ها نیز پرده برداشت. این کارگردان از زاویه دید خود نشان می‌دهد که چگونه صنعتی‌شدن جهان راه‌های پیشرفت بشر را کند کرده است زیرا خانواده‌ها به آرامی از یکدیگر دور می‌شوند حتی اگر از این فرایند تدریجی آگاه نباشند. فیلم‌های اوزو به تدریج و ذره ذره تاثیرات خود را روی مخاطب می‌گذارد اما در نهایت او را حسابی احساساتی خواهند کرد. در واقع همانطور که در ابتدای نوشته به جمله راجر ایبرت اشاره کردیم بعد از دیدن آثار اوزو احساس می‌کنید یک پیوند جدید دوستانه با این کارگردان برجسته تاریخ سینما شکل داده‌اید. اوزو هرگز از پیرشدن هراسی نداشت و فیلم‌هایی ساخت که هم‌زمان با آن‌ها پیرتر و عاقل‌تر شد. به همین ترتیب حتی پس از مرگ او آثارش مورد توجه بیشتر و بیشتر قرار گرفته‌اند به شکلی که بعضی از آن‌ها در روزگار معاصر حتی اهمیتی فراتر از گذشته یافته‌اند.

۸- مارتین اسکورسیزی (Martin Scorsese)

مارتین اسکورسیزی

شاید بتوان اسکورسیزی را بهترین کارگردان آمریکایی دانست که به نسل فیلم‌سازان فعال در دهه‌های ۱۹۶۰ و ۱۹۷۰ میلادی تعلق دارند؛ فیلم‌سازهایی که تحت تاثیر سینمای کلاسیک بودند و هم‌زمان با وام‌گرفتن از عناصر و دیدگاه‌های مدرن به تولید آثار هنری پرداختند. اسکورسیزی از بهترین کارگردان‌های این نسل و از جمله بزرگترین هنرمندانی است که چشم‌انداز سینما را در دوره مدرن به شیوه‌ای خاص گسترش داده است. گرچه مطرح کردن اسکورسیزی به عنوان بهترین با وجود هنرمندان بزرگ دیگری چون اسپیلبرگ، کاپولا و دی پالما آنقدرها هم ادعای ساده‌ای نیست اما به هر حال با توجه به کارنامه سینمایی او و مجموعه‌ای از آثار مهم تولیدشده توسط این هنرمند برجسته این جسارت را به خود می‌دهیم.

مارتین اسکورسیزی در دوران کودکی با بیماری آسم دست و پنجه نرم می‌کرد و شرایط فیزیکی مناسبی برای ورزش یا هر فعالیت بدنی دیگر نداشت و در نتیجه اغلب زمانش را با والدین خود به سینما می‌رفت. در تمام فیلم‌هایی که اسکورسیزی ساخته است می‌توان عشق عمیق او را به سینما دید.

از سوی دیگر باید در نظر گرفت که او با اعتقادات کاتولیکی بزرگ شد و تقریبا در تمام آثارش مفاهیم اخلاقی و ایده‌های مذهبی به چشم می‌خورد. برای مثال تراویس بیکل فیلم سینمایی «راننده تاکسی» در حال پاک کردن خیابان‌های نیویورک از گناهان و فساد است. طغیان و خشونت شدید جیک لاموتای فیلم سینمایی «گاو خشمگین» در برابر همسرش ویکی به خاطر این است که احساس می‌کند ویکی یک شخصیت سالم مذهبی نیست. اسکورسیزی در «آخرین وسوسه مسیح» مستقیما داستان مسیح را بازگو می‌کند و در «گرگ وال استریت» طمع و افراطی‌گری فرهنگ آمریکایی را به تصویر کشیده است.

اما سینمای اسکورسیزی از یک جنبه دیگر نیز حائز اهمیت است؛ آثار مارتین اسکورسیزی به شدت سرگرم‌کننده هستند. فیلم‌هایی که این کارگردان ساخته؛ حتی آن دسته از آثارش که وجه هنری پررنگ‌تری دارند به هیچ وجه کسل‌کننده نیستند. در واقع به محض تماشای فیلم‌های او وارد نوعی سفر و ماجراجویی درگیرکننده و پرهیجان خواهید شد.

در کنار این‌ها باید اشاره کرد که بخش عمده‌ای از خاص‌بودن آثار اسکورسیزی در نتیجه حضور سایر هنرمندان برجسته‌ای است که با این کارگردان به همکاری پرداخته‌اند. همکاری او با بازیگرانی چون رابرت دنیرو، جو پشی و لئوناردو دی‌کاپریو، تدوین‌گر آثارش تلما شونمیکر و هم‌چنین پل شریدر و نیکولاس پیلگی از همکاران فیلم‌نامه‌نویس، همگی در اینکه اسکورسیزی به چنین کارگردان برجسته و صاحب‌سبکی تبدیل شود موثر بوده‌اند. افرادی شایسته و مستعد که در کنار کاربلدبودن با اسکورسیزی یک دیدگاه هنری مشترک داشتند و موفق شدند با این هنرمند به نوعی تفاهم و هم‌اندیشی ویژه برسند که در نهایت در قالب تولید آثار برجسته متعدد خود را شکوفا کرد.

اقرأ
أفضل أفلام شباك التذاكر في أمريكا عام 2019

۹- آندری تارکوفسکی (Andrei Tarkovsky)

آندری تارکوفسکی

آندری تارکوفسکی کارگردانی بی‌همتا بود. با دیدن فیلم‌هایش بیش از هر چیز احساس می‌کنید در حال نوعی مراقبه هستید. جذاب‌ترین وجه ساختاری کار تارکوفسکی شیوه خاص بیان سینمایی او است. در عمده آثار این کارگردان نباید به دنبال داستان‌گویی آن هم به شیوه شناخته‌شده و آشنا باشید. در واقع داستانی وجود ندارد که گره‌گشایی شود بلکه با یک تجربه خاص و دست اول بصری از رخ‌دادن وقایع طرف هستیم. حتی اگر در این میان بتوان به یک قصه یا فرایند داستانی اشاره کرد نمی‌توان آن را به شکل یک طرح داستانی مشخص کرد چرا که در آثار تارکوفسکی زمان، فضا و هر آنچه میان آن‌ها است در حالتی شناور قرار گرفته‌اند که از قالب یک ادراک متعارف خارج است.

بعضی‌ از مخاطبان احساس می‌کنند آثار تارکوفسکی کسل‌کننده است. به هر حال باید در نظر گرفت که هر مخاطبی هنگام روبروشدن با اثری از تارکوفسکی به یکی از این دو وضعیت دچار می‌شود: برخی مخاطبان به دلیل فرم آثار او دچار کسالت می‌شوند و بعضی دیگر آنچه دیده‌اند را تحلیل کرده و تلاش می‌کنند با زبان ویژه به کار رفته در آثار این کارگردان مهم تاریخ سینما ارتباط برقرار کنند. به این طریق احتمالا تنها دسته دوم می‌توانند به تجربه‌ای جذاب از روبرویی با آثار تارکوفسکی برسند. باید پذیرفت که ارتباط برقرارکردن با این سینما به تحمل بیشتری نیاز دارد.

فیلم‌های تارکوفسکی جنبه‌های عمیق وجودی دارند و با دیدن آن‌ها سوالاتی اساسی درباره انسان و وضعیتش در جهان به ذهن متبادر می‌شود. فلسفه و معنویت در عمده آثار تارکوفسکی به هم آمیخته‌اند.

این هنرمند برجسته در سال‌های پایانی عمر خود با مقامات وقت شوروی درگیری‌هایی پیدا کرد که در نتیجه باعث شد تصمیم بگیرد به وطن خود بازنگردد و به نوعی تبعید خودخواسته رفت. گرچه این تبعید یک فشار روحی عمیق را بر تارکوفسکی وارد کرد اما باعث تضعیف آثارش نشد. او با قدرت به کارگردانی بخشی از بزرگترین آثارش خارج از شوروی ادامه داد. تارکوفسکی با سری بلند ایستاد و آثار بلندپروازانه و عمیقش هرگز تسلیم خواست قدرت نشد.

هنگام تماشای فیلم‌هایی چون آندری روبلف، سولاریس، آینه، نوستالژی و ایثار ممکن است با نماهایی طولانی همراه با دیالوگ‌هایی خسته‌کننده مواجه شوید اما روش تارکوفسکی دقیقا بیرون کشیدن آنچه می‌خواهد بگوید از دل همین فضای ظاهرا کشدار است. کسی که میل به تماشای آثار او را دارد به خوبی با این موضوع کنار می‌آید و آنچه را فیلم به دنبال بیان آن است کشف خواهد کرد. فقط در این صورت است که فیلم‌های او شکلی کامل به خود گرفته، شخصیت‌ها و روند پیشرفت فیلم در نظر تماشاگر ساخته می‌شوند.

۱۰- فرانسوا تروفو (François Truffaut)

فرانسوا تروفو

به اعتقاد منتقدین جوان فرانسوی، فیلم‌های بعد از جنگ جهانی دوم در این کشور هویت واقعی فرانسه را در دل خود نداشتند. بیشتر فیلم‌ها از عهده بیان احساسات مربوط به آنچه که وقعا در جنگ جهانی دوم بر فرانسه گذشت بر نمی‌آمدند. البته نکات ذکر شده به این معنا نیست که فیلم‌های بزرگی ساخته نشدند اما جدا از این موضوع موج نوی فرانسه از دل منتقدانی شکل گرفت که باور داشتند می‌شود شرایط فیلم‌سازی را در فرانسه متحول کرد.

تروفو و همراهانش سبک متفاوتی از فیلم‌سازی را در پیش گرفتند؛ سبکی که در آن فیلم‌برداری سر صحنه جدی گرفته می‌شد (برعکس گذشته که بر فیلم‌برداری استودیویی تاکید می‌شد) و روش‌های تجربه‌گرایانه اهمیت بیشتری داشت. تدوین‌ آثار موج نو از قواعد کلاسیک پیروی نمی‌کرد، گاهی فیلم‌ها به مستند شبیه می‌شدند و روایت‌ها آنچنان تغییر کردند تا بازتاب احساسات جاری فرانسه در دهه‌های ۵۰ و ۶۰ میلادی باشند.  تروفو در طول زندگی حرفه‌ای خود به عنوان منتقد در مجله «کایه دو سینما» یاد گرفت چگونه فیلم‌هایش را به شکل مستقل و با تامین مالی مستقل تولید کند بنابراین با تغییر مناسبات فیلم‌سازی در فرانسه فرصت فوق‌العاده‌ای برای او و سایر همکارانش پدید آمد تا شانس خود را در جهان سینما امتحان کنند.

مشهورترین فیلم فرانسوا تروفو اولین فیلم او یعنی «چهارصد ضربه» بود. اثری که به مفاهیم مرتبط با نوجوانی و بلوغ می‌پردازد. چهارصد ضربه که از آثار نئورئالیستی نیز الهام‌گرفته بود شرایط زندگی دشوار و افسرده‌کننده یک نوجوان را نمایش می‌دهد و داستان فیلم برگرفته از زندگی شخصی کارگردان است. فیلم درباره یک نوجوان طغیان‌گر به نام آنتوان دوانل است. جدال با خانواده، با معلمان مدرسه، با جامعه بی‌رحم و تلاش برای بقا. یک شاهکار تاریخی که هنوز پس از گذشت دهه‌ها از کیفیتش کم نشده است. تصویر پاریس دهه پنجاه که از قاب تاریخ بیرون می‌زند و حرف‌هایی اساسی و بدون زمان و مکان برای مخاطب سینما دارد.

با ساخت چهارصد ضربه توسط تروفو و تولید چند فیلم دیگر تقریبا هم‌زمان با این اثر سینمایی موج نوی سینمای فرانسه راه خود را آغاز کرد. موج نوی سینمای فرانسه بر پایه تفکری متفاوت و جدید نسبت به سینما شکل گرفت. نگاهی که سال‌ها بعد هم تا حدودی توسط سینماگران اروپایی و تعدادی از سینماگران مستقل آمریکایی دنبال شد و به سینما به عنوان یک مدیوم بیان جدی نگاه می‌کرد. در واقع باید گفت موج نو واکنشی بود به گذشته و شیوه‌های سنتی فیلم‌سازی در فرانسه. همانطور که اشاره شد در گذشته فیلم‌سازی به شکل استودیویی پیش می‌رفت و عموما بر پایه اقتباس‌های ادبی شکل می‌گرفت. کارگردان بیشتر مثل یک تکنسین بود و نمی‌شد او را مولف فیلم محسوب کرد. قاعده‌های فیلم‌سازی مثل نوعی علم به شکل جزمی و بدون انعطاف در نظر گرفته می‌شدند و شکستن این قاعده‌ها در حکم ناشی‌گری بود. موج نو شورشی بود علیه همه این اصول.

به این ترتیب تروفو در میان مردانی قرار گرفت که تلاش کردند درسینمای جهان نقش مولف را ایفا کنند. از سوی دیگر تروفو عاشق فیلم‌سازان بزرگ تاریخ سینما همچون هیچکاک و فورد بود که خود در میان مولفان برجسته قرار دارند. نمی‌توان لیستی از کارگردانان مولف تنظیم کرد و از تروفو نام نبرد.




إرسال تعليق

لن يتم نشر عنوان بريدك الإلكتروني. الحقول الإلزامية مشار إليها بـ *